Francis Glenat, peintre de l’abstraction tactile

Francis glenat présente ses dernières toiles abstraites à la galerie Monod. Une recherche contemplative et méditative de créations qui suscite une émotion poétique et une réflexion sur la texture des choses. Une nécessité personnelle d'exprimer joie et angoisse sur un même espace en utilisant une matière compacte. Les toiles sont souvent traitées comme des murs qui auraient subi les griffes du temps. Des espaces de résonance où les surfaces deviennent aussi rugueuses et tactiles qu'une roche. Chaque oeuvre est systématiquement sculptée et entaillée par des incisions ou des lacérations. Après traitements, les aplats et la netteté des couleurs pures ou brillantes disparaissent pour se recouvrir et trouver leur juste place. Le vieillissement naturel des médiums, des pigments naturels et des enduits est accéléré volontairement. Patine, craquelures et glacis font partie aussi du jeu de la composition et de l'aspect final. Le travail de composition sur chaque toile devient progressivement une sorte de palimpseste ou les éléments secondaires colorés sont atténués et partiellement visibles selon l'évolution. C'est à partir de ces fonds existants et après chaque superposition et croisement des différentes textures qu'émane une nouvelle réflexion et un nouveau regard. La recherche de la lumière venant de l'intérieur est primordiale et laisse souvent place à une composition écorchée et déstructurée. Né à Paris en 1950, passionné de jazz et de peinture et après de brèves études de civilisation américaine, Francis GLENAT s'oriente instinctivement vers la pédagogie musicale, unissant le visuel et le sonore et découvre le goût pour la nuance et la composition avec des peintres abstraits et tachistes à l'université Paris VIII. C'est dans les années 1989 qu'il recommence à peindre de façon régulière. En autodidacte passionné, il cherche d'abord à expérimenter les techniques les plus simples de l'huile ou de l'acrylique. Le style est personnel, les sujets sont variés mais les premiers tableaux restent encore très prudents et dans un registre figuratif. Du paysage imaginaire aux natures mortes oniriques, il s'oriente vers des sujets plus libres et réalise une série de portraits réalistes assez stylisés et polarisés sur des jazzmen américains. Voyageur et amateur de musées d'art contemporain, il est d'abord impressionné par l'oeuvre de Nicolas de STAEL pour ses compositions et sa recherche sur la matière. S'il n'est pas insensible aux abstractions purement géométriques de Malevitch ou Mondrian, la découverte des oeuvres de Tapies ou de Mark Rothko séduisent parfaitement son mode de pensée et de création et influencent davantage ses expérimentations sur la profondeur plastique d'une oeuvre. Dans cette période de découverte des grands maitres de la peinture abstraite, sa palette et son espace pictural vont s'épaissir et s'enrichir de pigments et parfois de papiers collés. Les pinceaux sont délaissés et remplacés par des couteaux. Le format des toiles et des outils s'agrandit pour donner naissance à la matière. C'est en travaillant dans le même esprit qu'il comprend mieux la démarche des expressionnistes américains comme Franz Kline , Robert Motherwell et surtout Emil Schumacher. A partir de cette période de tâtonnement, il s'éloigne progressivement de la peinture figurative et de la représentation du visible pour une recherche plus intérieure et se tourne vers l'abstraction pure. Cet art informel lui convient mieux pour exprimer ses émotions et son vécu. Le titre de chacune des toiles abstraites évoque souvent ces moments d'interrogations, ces souvenirs de voyages ou simplement les émotions ressenties au cours d'une réalisation. Cette poétique d'expression abstraite est le travail d'un peintre autodidacte. Un plasticien qui cherche à développer par des procédés techniques originaux, un système d'écriture pictural qui lui est propre.